Bienvenue sur le blog de Chady

Thème : Arts appliqués
Collection : Guides de l'artiste
Titre : L’huile
Nb. pages : 96
Prix : 7.90 €
ISBN : 2-7000-1985-7
Format : 13 x 22,5 cm


Cet ouvrage de qualité, abondamment illustré et simple à consulter est l'un de mes préférés. Bien entendu, ces ouvrages offrent des conseils souvent formatés et très standardisés, et selon moi, rien ne vaudra jamais l'expérience et la pratique en tant que telles pour une première incursion dans le monde de la peinture. L'intuition parfois peut faire des merveilles en matière d'art.
Trop suivre à la lettre ce genre de livres didactiques peut faire perdre beaucoup de la spontanéité requise en peinture. On devient vite soucieux de respecter l'intégralité des techniques et méthodes présentées. Et le risque de s'en trouver "robotisé" s'accroît. il n'y a pas de règles toutes-puissantes et immuables en peinture. Celles-ci sont faites pour être transgressées dans une certaine mesure et même réinventées. Bien que je conçoive qu'il existe des méthodes et des techniques relativement constantes à l'usage.

J'apprécie ce guide car il est simple et traduit fort bien l'étendue des possibilités offertes par la peinture à l'huile ( il est à noter que d'autres guides de la même collection existent pour le pastel, l'acrylique, l'aquarelle et d'autres matières) L'on y découvre de façon claire et synthétisée les aspects les plus importants de la peinture, ses secrets, ses techniques, ses applications pratiques et ses genres artistiques. L'accent est aussi mis sur le matériel à employer et de nombreuses astuces agrémentent l'ensemble. Un achat vraiment utile. De taille réduite, très fin et à peine plus grand qu'un livre de poche, on peut aisément l'emporter avec soi.

Beaucoup de personnes m'ont fait part de leur intérêt pour la peinture et leur envie de s'y essayer, mais ne savent pas vraiment quelles sont les étapes à suivre.
Cet ouvrage servira de base aux pages d'initiation à la peinture à l'huile qui vont remplir prochainement ce blog. Des photographies illustreront le plan de travail à venir.Je vous livrerai aussi quelques petites astuces, conseils, suggestions, constatations personnelles liées ma modeste expérience en peinture.

La peinture à l'huile permet d'obtenir de nombreux effets ( de lumière, de transparence, de contraste )... Pour peindre des personnages et leur donner du relief, il n'y a pas d'autre choix que de simuler le volume à l'aide de l'incrustation d'ombres sur les peaux.
La carnation en huile est très délicate. Il faut attendre que le premier aplat sèche avant d' y appliquer des couches supplémentaires de peinture.
Il faut aussi penser à déterminer la tonalité de la peau. Puisque la lumière du décor dans lequel se trouvent les personnages influe directement sur la température ( chaude ou froide) de la couleur de leurs peaux, il est impératif de commencer à peindre le décor avant les sujets.

La scène de ce tableau "le pardon" se situant en extérieur et en plein jour, il n'a pas été utile d'utiliser des contrastes forts ( comme le fameux "clair-obscur" célébré par les peintres de la Renaissance et qui permet de simuler une forte lumière sur les personnages souvent placés dans la pénombre ou dans un décor de nuit.
L'impressionnisme aussi a donné au "clair-obscur" ses lettres de noblesse, mais au fur et à mesure, et en passant au post-impressionnisme et au fauvisme, le clair obscur s'est fait discret tout comme les effets d'ombres photoréalistes qu'on trouvait sur les peintures classiques. On allait vers des couleurs pures, saturées, et des peaux aux couleurs souvent unies.
L'art moderne est allé vers une synthétisation totale des formes et des couleurs. Ce faisant, des peintres comme Van Gogh ou Gauguin se sont rapprochés de l'art japonais et de ses célèbres estampes ( notamment celles de Hiroshige) où justement la perspective est de plus en plus discrete voir inexistante et où les carnations des personnages sont faites de façon unie sans chercher d'effets de volume.
L'art occidental a apporté le relief et un point de vue tridimensionnel à la peinture. L'art oriental et asiatique avait dès l'antiquité conçu autrement l'art avec une esthétique privilégiant des formes épurées , des plans en deux dimensions et des couleurs non rompues.

Ce tableau est à mi-chemin entre plusieurs courants et cela est volontaire de ma part: d'influence classique par le trait régulier et la carnation des personnages mais surtout impressioniste et légèrement fauviste notamment par rapport au décor conçu de façon très enlevée avec une application rapide de couleurs pures afin d'obtenir une grande vivacité et une gaieté contrastant avec le romantisme et la tension dramatique du couple.

Avant de commencer un tableau, il est toujours utile de concevoir un plan de travail, car autant une idée peut naître instantanément autant sa concrétisation en tant que peinture ou dessin peut se révéler délicate, lente et exigeante.
Ma méthode est somme toute classique, c'est la méthode académique. Je commence souvent par quelques esquisses ou gribouillis sur des feuilles de papier. Il peut m'arriver d'en remplir une dizaine avant de me mettre à travailler sur toile. Une fois que mes idées ont été mises sur papier, je fais une sélection des meilleurs dessins et j'en fais une synthèse qui constituera par la suite la base de ma toile.

Sur la toile, je commence par quelques tracés rapides, afin de me permettre de situer l'emplacement exact des personnages.etc. Je trace aussi la ligne d 'horizon pour délimiter le paysage et obtenir une perspective juste. Sur ce tableau le paysage est secondaire. L'accent est mis sur les personnages, mais le décor ne doit pas dépareiller avec l'athmosphère générale et la nature de la scène qu'on souhaite présenter. Un paysage paisible et désert comme un rivage ou une petite colline traduisent souvent une ambiance intime comme c'est le cas dans cette "scène du pardon" où les deux personnages se retrouvent à l'abri des regards indiscrets.
L' on croit souvent qu'une oeuvre d'art est facile à réaliser et que l'artiste y met ce qu'il souhaite de façon gratuite, mais cela est faux. Chaque élèment du tableau contribue à sa cohérence et à son harmonie. Un trait maladroit, des couleurs mal choisies et tout l"équilibre d'une oeuvre s'en trouve menacé.
La sémiologie graphique et chromatique est déterminante par rapport au message à l'émotion que l'on souhaite transmettre au public. En art, la théorie est souvent aussi importante que la pratique, mais l'on a tendance à en négliger la portée.

Comme vous pouvez le voir sur ce cliché, après les esquisses sur papier, j ai commencé a dessiner de façon légère et rapide les personnages sur la toile vierge. J' ai utilisé pour cela du fusain, mais d'autres personnent préfèrent utiliser un crayon à papier ou du charbon..
J'apprecie le fusain justement à cause de sa texture poudreuse et facilement effaçable. Mon ambition n'était pas de faire un dessin trop sophistiqué ( d'ailleurs ce n'est pas l'objectif véritable d'une esquisse) mais de placer les éléments majeurs de mon tableau avant de commencer à peindre.
L'étape intermédiaire a consisté à élaborer un " jus" à l'aide d'une couleur à l'huile quelconque ( j'opte souvent pour une noisette de couleur terre ou ocre hyper diluée dans de l'essence de térébentine).
Par la suite il m'a suffit de repasser au pinceau ( et donc avec l'ocre dilué) les contours déja dessinés au fusain. L'essence faisant tres vite sécher la trait faible quantité de peinture utilisée, il ne me restait plus qu' à retirer à l'aide d'un chiffon sec les résidus de fusain pour enfin avoir une surface propre avec les lignes de base de mon tableau prêtes à être peintes.