chad11

Commentaire:

J'ai peint ce tableau, intitulé "l'Adieu", en fin octobre 2003. Il a marqué un revirement total dans ma façon de concevoir la peinture et d'exprimer mes sentiments.
Ceci n'a rien d'étonnant en soi puisqu'il a été conçu au sortir d'une période de grands bouleversements dans ma vie: Le changement de pays et de perspective, l'abandon d'un amour ainsi que la remise en question qui lui a succédé; ont définitivement façonné cette peinture en l'imposant comme une sorte de "deuil du passé". À mes yeux, un paysage marin et un ciel crépusculaire étaient à même de symboliser la nostalgie et la tristesse des adieux. Ce tableau aurait pu tout autant s'intituler " la séparation" que "L'appel du destin", puisque le bâteau s'éloigne vers l'on ne sait quelle destinée. L'horizon marque la limite d'un rêve d'amour et le départ vers un nouvel avenir inconnu.

NB: J'avais associé cette toile à un petit poème écrit un mois avant sa conception (et retiré du blog), lequel était deja imprégné d'une certaine tristesse. Tous deux parlent d'amour et de destin avec une même allusion métaphorique au voyage, à la mer et au crépuscule.

"Le Bleu" (2001)
D'après une citation de Jean Clair.

« Le bleu est un effet du lointain : lointain spatial (la distance) mais aussi temporel (le futur ou au contraire le passé).
Sa coloration est celle de l'attente (de l'espoir) ou du regret (de la nostalgie)»

Jean Clair.

Commentaire:
Ce tableau est un défi à lui seul, par l'emploi d'une seule couleur aux tonalités variables: bleu primaire, cyan, bleu cobalt, bleu outremer, bleu tropique, bleu ceruleum...

Le bleu tel que nous le présente Jean Clair tient lieu de « concept abstrait »puisqu'il est nourri d'impressions subjectives. La difficulté ne tient donc pas de la transposition picturale d'une citation puisque le bleu trouve dans l'expression artistique, plastique, toute son ampleur, mais reste inhérente à toute transition, tout passage d'un domaine artistique à un autre.
En l'occurrence il s'agit du passage de l'écriture à la peinture et du respect du langage, des variantes stylistiques propres à chaque moyen d'expression.
Le choix de la forme est volontairement surréaliste, il est à l'image du « bleu vu par Jean Clair », c'est à dire inconcevable sans l'intervention du rêve et de l'inconscient. En peinture cet « aspect informel et absolu, dépassant toute logique » du bleu ne peut être rendu que dans l'alternance entre le concret et l'abstrait, le réel et le surréel, le connu et l'inconnu, le rapport entre l'être fini et l'espace infini. Il s'agit de jouer sur des contrastes forts et saisissants au niveau des repères spatiaux, mais aussi de représenter les sentiments qui sont autant d'états invisibles, immatériels, et associés au temps, donc à l'espace. L'homme est le seul être vivant à avoir conscience « du temps qui passe » et à éprouver des sentiments qu'il peut identifier (joie, colère, nostalgie etc.). C'est à travers l'homme et son usure que le temps marque son passage, à travers la succession des sentiments et l'évolution naturelle de la matière.
Les éléments retenus pour cette peinture étaient donc:
- l'homme, élément/être central puisque c'est lui qui réfléchit à la valeur du bleu. A défaut de le créer, il est en mesure de l'identifier et de le théoriser. L'homme est représenté dans des attitudes et des moments différents.
-Le ciel et la mer marquent quant à eux l'immensité écrasante de l'univers qui entoure ce dernier.
-Et enfin, l'horizon à perte de vue représente la distance, mais aussi le néant infranchissable pour le commun des mortels. Le mouvement circulaire indique que l'avenir est déjà du passé en préparation (pour reprendre la formule de P. Dac).
Tout le tableau est donc construit autour d'un schéma trinitaire. Et ma foi, cette cohérence confère à l'ensemble de la composition une impression globale d'unité et d'équilibre. But recherché.

Comme toute couleur, le bleu revêt une dimension symbolique, mystique ou lyrique.Nous établissons des liens obscurs entre couleurs et sentiments, couleurs et éléments. Souvent une couleur nous renvoie à des sensations diverses, lesquelles restent ouvertes à toutes les interprétations possibles. Si, à juste titre, certaines couleurs évoquent des éléments naturels concrets tels que l'eau, le feu, le ciel ou la végétation, il n'existe en revanche aucun lien logique et irréfutable entre un état d'âme spécifique et une couleur donnée. C'est une vue de l'esprit.
Pourtant nous attribuons une grande valeur et un caractère humain ou terrestre aux couleurs. Ainsi le bleu dans l'inconscient collectif symbolise une forme d'éternité et d'intemporalité (où passé, futur et présent ne font qu'une seule réalité), d'espace (terrestre ou galactique) et de distance (que jean Clair souligne justement).
Si dans ces exemples, l'on n'est pas surpris par certaines analogies faciles (le ciel, la mer incarnent l'idée d'espace infini et sont bleus), il en est tout autrement pour ce qui concerne les sentiments humains tels que la tristesse, l'espoir ou la nostalgie.
Le bleu par observation renvoie à l'eau, source de vie mais aussi de mystère. L'attente solitaire et l'appréhension de l'inconnu conduisent à une exaltation de la tristesse propre au romantisme. Le temps est « mystère » lui aussi, il coule tel un fleuve et nous subissons son courant, bercés par les interrogations perpétuelles liées à notre destin. Le temps et l'eau ont la même teinte, celle des regrets, des rêves jamais exaucés ou à peine effleurés, de la solitude, ou au contraire d'un passé prospère mais à jamais révolu. Les souvenirs, bons ou mauvais, disparaissent dans la mouvance irréversible du temps et le bleu résonne dans l'âme comme le franchissement douloureux d'une époque, d'une étape, d' une expérience, d'un espace.
Le bleu est le mystère de la création, il nous rappelle à nos origines et nous convie à la fois à un futur flou et impalpable. Le ciel et ses étoiles paraissent sans limites et nous exhortent à toutes les suppositions en conservant bien sûr leur mutisme et leur ésotérisme.
C'est ce caractère informel et indistinct du bleu qui en fait une riche source d'inspiration artistique dans la musique comme dans la peinture. Il obtient une valeur métaphysique et onirique qui lui vaut la grande fascination des artistes, poètes et ascètes.

Comme je le dis souvent, peindre n'est pas uniquement une simple question d'esthétique ou de technique, c'est aussi et surtout une question de tempérament et de personnalité.
Je ne suis pas d'accord avec les esprits « bien pensants » qui dictent des règles figées car la peinture est un mouvement permanent de l'esprit, où la liberté d'expression est la seule constante. Toutes les audaces sont les bienvenues. L'art doit avant tout se réinventer.

Certes, il y a des rudiments académiques qui nous donnent les moyens de concrétiser nos idées, de mieux servir notre désir d'expression et de communication de nos sentiments, mais une technique aussi aboutie soit elle ne garantie pas le charme et la puissance évocatrice d'une œuvre. Et elle ne se substitue pas non plus à un déficit d'idées. ...
Un tableau d'une facture technique irréprochable ne sera pas forcément une oeuvre mémorable et marquante. Beauté et esthétique ne riment pas toujours avec chef-d'oeuvre.
Une oeuvre sincère est toujours porteuse d'un message et/ou d'une émotion réelle. Elle n'est pas un simple ensemble de traits, de formes et de couleurs. Elle doit être dotée d'une âme, d'un soupçon de vie qui fera toute la différence.
Cette force d'inspiration et de vie dépasse toute forme de rationalité. Tout au plus sera-t-elle ressentie par le spectateur si l'artiste parvient à insuffler à son oeuvre sa passion, son imagination et son authenticité.

Faire preuve d'audace et d'innovation sont autant de qualités qui rendent une oeuvre riche et fascinante.
La peinture est une forme d'expression de l'esprit mais surtout du coeur.
Il est certain que nous sommes tous comblés de joie lorsque notre travail est reconnu et apprécié. Mais plaire aux autres ne doit pas être une priorité pour l'artiste. L'argent et la gloire ne peuvent en aucun cas être considérés comme une motivation constructive dans le domaine des arts.

Cependant, faire de l'art un fond de commerce n'est pas négatif en soi, loin s'en faut.
Chaque artiste doit néanmoins être conscient des conséquences que la mercantilisation peut engendrer sur la qualité de son travail. En effet, entrer dans une logique de production intensive, dénuée de toute recherche et d'inspiration représente un danger pour l'artiste intègre et soucieux d'exercer son art avec une grande liberté de ton.
« L'art alimentaire » comme on le nomme souvent, non sans une pointe de mépris, a néanmoins inauguré une nouvelle conception de l'art, en l'intégrant en douceur au quotidien et dans les habitudes des consommateurs. Aujourd'hui un cadre moyen peut s'offrir une jolie toile à prix modique, avec des couleurs de son choix, parfaitement assorties à sa salle de séjour. Bien entendu, il ne s'agit nullement de porter un jugement d'une quelconque ironie sur cette forme d'art commercial.
Nombreux sont les peintres qui considèrent qu'ils sont des ouvriers ou artisans qui vendent leur savoir-faire et que tout travail mérite salaire. Ces derniers produisent abondamment et rapidement, travaillent sur commande. Je ne cherche nullement à porter un jugement éthique sur leur conception de l'art ni à en dénigrer la possible valeur artistique.
Certaines peintures de ce genre possèdent d'ailleurs un charme indéniable, caractérisées par une exécution très libre, stylisée et moderne qui se prête merveilleusement à la décoration d'intérieur.
Je ne confonds nullement art commercial avec art abstrait, amalgame souvent fait à tort ou a raison.
A chacun donc la liberté de concevoir la peinture selon ses goûts et son mode de vie.


L'on ne peint pas pour les autres, l'on peint pour assouvir un besoin, une passion qui nous anime. Si notre oeuvre plaît, c'est tant mieux mais cela ne doit pas être la motivation première de l'artiste, car elle peut compromettre la qualité et l'authenticité de son travail.
Beaucoup d'artistes suivent les courants et la mode, l'art en perd de sa personnalité, il s'enferme dans le conformisme et perd toute sa singularité.

Ne peignez pas comme Van Gogh si son style ne vous enthousiasme pas, ne peignez pas comme Renoir même si cela va plaire à quelques uns de vos amis. Peignez comme vous le sentez, mais sans renier l'héritage des maîtres qui nous ont précédé. C'est en s'intéressant à l'œuvre d'autrui que l'on apprend aussi à se découvrir et à trouver son identité artistique.
Qu'il s'agisse d'illustres références ou d'artistes inconnus, la gloire et la renommée ne permettent pas de mesurer la qualité réelle d'oeuvre ou d'un artiste. Les critères de jugement varient et rester fidèle à soi reste donc le meilleur conseil à suivre de peur de se perdre soi-même dans un dédale d'influences, d'opinions et d'attentes extérieures.
Votre motivation en commençant à peindre est de chercher le plaisir sans autre prétention que celle d'exprimer vos sentiments. Qu'il s'agisse de tristesse, de joie, de peur, peu importe, vous êtes libres de considérer l'art pour ce qu'il est : un exutoire, un moyen de sortir ce que vous avez à l'intérieur de vous-même.
Par la suite, si vous avez un goût prononcé et des prédispositions pour certains courants et styles picturaux, si vous êtes davantage orientés vers le figuratif que vers l'abstrait par exemple, c'est encore votre choix personnel.
De même que certains artistes explorent des directions différentes, d'autres préfèrent peindre les mêmes tableaux en tous temps. Ainsi, il n'est pas rare de voir un artiste ne
réaliser que des paysages et d'autres leur préférer les portraits. Tous les goûts sont dans la nature...et dans l'art.

L'enfer est désordre, l'enfer est discorde. Il est l'opposé de l'ordre, de la beauté et de la paix.
Le mal y fait règner sa laide et ténébreuse ombre, loin de l'incandescente lumière du jardin divin.
L'enfer est somme de tares, de déchets, d' aberrations, d'immondices, d'obcénités, et de débauche. Il est plus proche de notre monde que ne l'est le parfait Eden. Celui-là même qui fut destiné au Commencement à demeurer la plus merveilleuse des destinations.

J'ai traduit cette abjecte vision de l'enfer par l'absurde et contradictoire expression de corps partagés entre l'atrocité des tortures et le plaisir masochiste et malsain qu'ils en retirent.
Les damnés sont éternellement soumis à la souffrance, à tel point qu'elle devient une habitude et qu'ils s'en satisfont, la laissant devenir une part d'eux-mêmes.Les chairs s'entremêlent, se juxtaposent. l'intégrité corporelle n'existe plus, tout n'est qu'amas difforme, informe. Mélange dégradant et ardant. Putréfaction et déjections composent cette infâme nation.
Le regard exorbité de terreur et de douleur des châtiés contraste avec l'expression hallucinée et morbide des créatures dont la fonction est de souffrir tout en infligeant des supplices innommables. Il n'existe en enfer ni maîtres ni d'esclaves, ni bourreaux ni victimes. Les anges déchus valent les âmes maudites. L'enfer dépeint dans ce dessin instaure dans le mal et la souffrance une égalité des sorts qui n'existe pas dans le monde des vivants et qui se détache ostensiblement de la vision religieuse.
Dans ce lieu, il n'y a guère de distinction, de logique, de sens ou de direction. : le plaisir de la luxure se confond avec celui de la meurtrissure.